Cómo escribir una buena escena de suspense

 

En España lo llamamos “suspense”; en Hispanoamérica, “suspenso”. En ambos casos nos referimos a ese sentimiento de ansiedad e incertidumbre, esa necesidad apremiante de saber qué va a ocurrir que sentimos cuando estamos viendo determinadas escenas de una película o leyendo ciertos pasajes un libro.

Experimentamos una sensación de suspense (o suspenso) cuando vemos que la protagonista de una película camina de noche por una calle solitaria, apenas iluminada por la luna, y los espectadores sabemos que el asesino anda cerca.

El suspense no es algo privativo del terror, la amenaza de muerte o de situaciones peligrosas. También hay suspense cuando el chico está a punto a declararse a la chica y sentimos la necesidad apremiante de saber si ella aceptará o no.

O cuando un personaje infantil acaba de hacer una travesura y esperamos impacientes la reacción del padre.

Cómo se activa el suspense en un guion

No sólo en un guion cinematográfico o de televisión, también en una obra literaria para provocar en el espectador o lector esa necesidad apremiante de saber ¡ya! lo que va a ocurrir se deben seguir los siguientes pasos:

El Anuncio:

Contamos al espectador que algo está a punto de ocurrir.

Es lo que hacemos cuando mostramos a la chica de la película hablando por teléfono en su casa, tranquilamente, y después presentamos al asesino que merodea en el jardín.

La Demora:

En lugar de contar enseguida si el asesino entrará en la casa o no, aplazamos la respuesta entreteniéndonos con acciones que parecen innecesarias desde el punto de vista narrativo (puesto que no dan información nueva ni hacen avanzar la acción) como pueden ser las imágenes de él espiando a la joven, la conversación anodina de ésta con su mejor amiga, etc.

Reducción de alternativas:

Hacer que el espectador no se distraiga pensando en diferentes soluciones para la situación que está presenciando. Restringir a sólo dos las posibles respuestas a la pregunta planteada (la matará-no la matará, sí-no, vida-muerte, salvación-perdición).

Es lo que conseguimos cuando ella sigue hablando por teléfono y él saca su cuchillo y entra en la casa sin hacer ruido.

Exageración de la demora:

Consiste en retrasar la respuesta anhelada por el espectador mediante acciones aparentemente innecesarias (el asesino que, en lugar de ir directamente al salón en el que se encuentra la protagonista, se dirige a la habitación de los padres, a la sala de estar, a la biblioteca…).

Siguiendo estos cuatro pasos conseguirás buenas escenas de suspense siempre que no olvides que para que el espectador sienta la necesidad apremiante de saber ¡ya! lo que va a pasar, antes debes haber provocado su identificación con el personaje.

Espero que esta entrada te haya sido útil. Coméntala, cuéntame qué te parece, pregunta lo que desees o, simplemente, mándame un saludo.

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¿Por qué nos gustan las historias de monstruos?

Desde hace miles de años el ser humano se ha sentido atraído por las historias que narran el enfrentamiento de un héroe contra un monstruo.

Alien, King Kong o los zombis de nuestros días son la nueva versión de seres monstruosos como el Minotauro, la Medusa o los dragones de los mitos de la antigüedad y las brujas, los gigantes o los ogros de los cuentos tradicionales.

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Habitualmente el monstruo es una amenaza para el héroe y/o para una comunidad:

San Jorge debe luchar contra el dragón porque éste destruirá el reino si no se le entrega una doncella cada cierto tiempo, los zombis deben ser eliminados porque pretenden devorar los cerebros de todo ser humano que se les ponga por delante, la bruja de Hansel y Gretel tiene esclavizada a Gretel y planea comerse a Hansel…

El monstruo puede ser una criatura extraterrestre como en las películas de “Alien”, un animal peligroso como en “Tiburón”, un hombre aparentemente normal pero que esconde un interior monstruoso como en la serie “Hannibal”. También puede ser una multitud como en el caso de los filmes de zombis. Incluso puede ser una extraña enfermedad que amenaza con acabar con toda la humanidad.

Hannibal

A primera vista, las historias de monstruos son muy sencillas:

El protagonista se enfrenta a una criatura pavorosa y aparentemente invencible, pierde todas las batallas, su situación es cada vez peor a medida que avanza la narración y, cuando parece que va a sucumbir ante el terrible enemigo, realiza un esfuerzo sobrehumano que le otorga la victoria sobre el monstruo.

El héroe de estos relatos no es muy elaborado desde el punto de vista psicológico ni experimenta ningún cambio interior o evolución.

Se diría que estas historias son una repetición constante de la misma narración con ligeras variaciones como pueden ser lo pintoresco del aspecto del monstruo o la espectacularidad de sus poderes de destrucción.

Pero la simplicidad de las historias de monstruos es sólo aparente porque son relatos simbólicos, dirigidos a nuestro subconsciente.

Como todos los mitos y cuentos infantiles tradicionales, son narraciones en las que a través de una historia externa se relata un itinerario interior de cambio emocional.

Los héroes de estas historias no sufren cambios interiores ni tienen profundidad psicológica porque son arquetípicos y no la necesitan: el monstruo con el que se enfrentan simboliza la carencia, fallo humano o demonio interior que deben superar.

Matar al monstruo es un símbolo de evolución y superación que puede que no comprendamos de manera consciente (ni falta que hace: si lo hiciéramos, la historia dejaría de ser “sanadora” o “eficaz” para nuestra psique) pero que nuestro subconsciente sí que capta y entiende. Por eso nos gustan las historias de monstruos, porque nos ayudan a superar nuestros demonios internos.

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Existen cuatro variantes según el tipo de monstruo, su relación con el héroe y/o la forma en que el espectador percibe al primero:

Cuando le tomamos cariño al monstruo

Ejemplo de este tipo de películas son “Frankenstein” o “King Kong”. En ellas el guion empieza de la forma habitual con el monstruo causando estragos en una comunidad, pero a medida que avanza la historia nos vamos dando cuenta de que la criatura que debería asustarnos tiene cualidades buenas y parece más humano que los humanos, empezamos a justificar sus acciones y terminamos poniéndonos de su parte. Acabamos tomándole cariño.

Esta clase de película suele funcionar mal porque, desde el punto de vista de simbolismo subconsciente, si el monstruo no es “malvado” no puede ser el representante de un defecto interior y el espectador, que percibe esto inconscientemente, intenta reconstruir la historia a su manera para darle sentido, acaba percibiendo al héroe como negativo y no se identifica con él.

Huir del monstruo

“El Incidente (The Happening, guion y dirección de M. Night Syamalan) o “El Diablo Sobre Ruedas” (Duel, escrita por Richard Matheson y dirección de Spielberg) son dos muestras de esta variante de historias de monstruos.

En la primera, “El Incidente”, el protagonista se limita a huir, sin luchar, de la extraña enfermedad que hace que la gente se suicide, lo que puede ser lógico en la vida real pero resulta poco efectivo como simbolismo porque nadie supera un fallo interior intentando huir de él.

En el segundo ejemplo, “El Diablo Sobre Ruedas”, el héroe se pasa parte de la película huyendo de un camión que le persigue, pero llega un momento en el que comprende que no puede escapar y decide enfrentarse a su perseguidor con intención de acabar con él.

El mensaje simbólico de la primera sería: “Si huyes de tu demonio interior, puede que acabe desapareciendo”. En el caso de la segunda es: “Si luchas contra tu problema interno, acabarás derrotándolo”. Evidentemente, éste último resulta mucho más inspirador que el primero.

Otra muestra de film con protagonista que huye del monstruo es “El Proyecto de la Bruja de Blair” (“The Blair Witch Project”, escrita por Daniel Myrick y Eduardo Sánchez) donde un grupo de documentalistas son perseguidos por algo sobrenatural y mortífero a través del bosque hasta que todos acaban muertos. El mensaje simbólico en este caso es: “Si huyes de tus defectos internos, acabarán destruyéndote”.

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Matar al monstruo equivocado

Es lo que le sucede a Sean Penn en “Mystic River” (guion de Brian Helgeland) que cree que su hija ha sido asesinada por un amigo suyo y lo mata. Después descubre que el asesino es otro.

En este caso, el protagonista ha matado al monstruo equivocado y su situación es mucho peor que antes de hacerlo.

El mensaje simbólico es evidente: “Cuidado con luchar contra un fallo interno erróneo porque acabarás con problemas mayores de los que ya tenías”.

El monstruo mata al héroe

Es lo que sucede en “Valkiria” (Valkirye, guion de Chistopher McQuarrie y Nathan Alexander) donde Tom Cruise es un oficial alemán que conspira para asesinar a Adolf Hitler y acabar con el nazismo. El plan fracasa y Tom Cruise es fusilado.

Esta variante no suele gustarle al público porque el mensaje simbólico es desesperanzador: “Hay demonios interiores tan fuertes que, si intentas luchar contra ellos, acabarán derrotándote”.

Un guion es tan bueno como lo es su villano

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Aunque, como espectadores, nos identificamos con los protagonistas de las películas y series de televisión que nos gustan, lo cierto es que muchas veces son los villanos, los antagonistas, las auténticas estrellas de las historias de más éxito:

¿Crees que las aventuras de Batman tendrían tantos seguidores si no existiera el Joker?

Han transcurrido más de cien años desde que Bram Stoker escribiera “Drácula” y casi se nos olvida que el célebre vampiro no era el protagonista sino el antagonista de la novela y de casi todas las películas que se han producido sobre él desde entonces.

El impacto que causó la película “El Silencio de los Corderos” se basa en un magnífico villano que ni era protagonista ni antagonista, sino un personaje catalizador que ayudaba a mantener la historia en movimiento y daba información necesaria para que avanzase la acción. Sí, me refiero al inolvidable Hannibal Lecter interpretado por Anthony Hopkins y que eclipsó a la protagonista, Clarice Starling, y al antagonista, el asesino apodado Buffalo Bill.

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A la hora de escribir un guion hay que dedicarle tanto o más tiempo y atención al villano que al protagonista, aunque suele ser más divertido crear y desarrollar al malvado que al “chico de la película”. ¿Por qué? Muy sencillo: Mientras el protagonista debe seguir unas normas éticas o morales, el antagonista puede hacer cualquier cosa que desee para conseguir su objetivo y, por lo tanto, el guionista puede ser mucho más creativo con su villano que con su héroe.

Muchas veces el antagonista del guion es todo lo opuesto al protagonista. También puede ser una versión oscura y desequilibrada de la personalidad del héroe.

Si quieres crear un villano inolvidable debes tener en cuenta que no basta con imaginar a alguien muy malvado, además debes individualizarlo, hacerlo único, darle alguna característica que lo humanice y lo aleje del cliché.

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Debes tener presente que el villano no se ve a sí mismo como tal, de la misma manera que ninguna persona real -no importa lo malvada que sea- se considera a sí misma una mala persona. Seguramente, Hitler y Stalin tenían una idea más positiva de sí mismos que la que tenemos nosotros.

En el fondo, los villanos representan nuestros temores, nuestros deseos más profundos y oscuros, lo que nos da miedo de nuestro propio interior, de nuestros instintos más primarios…

Se dice que un guion es tan bueno como lo es su villano.

Diez películas que inspiraron asesinatos reales

Habitualmente, los guionistas se inspiran en asesinos de la vida real para crear sus historias. Pero de vez en cuando surge algún criminal que culpa de sus actos a los guiones escritos por estos guionistas.

¿Es cierto que el cine tiene una capacidad de influir en la mente humana tan grande que puede obligar a alguien a hacer algo que no desea?

¿Padecen estos asesinos de la epidemia de infantilismo que invade nuestra sociedad y no quieren asumir su propia responsabilidad?

¿Culpan al cine de sus actos por consejo de sus abogados para intentar que la ley sea benévola con ellos?

He seleccionado diez películas que inspiraron asesinatos reales pero podrían ser más:

LOS DIEZ MANDAMIENTOS (the Ten Commandments, 1956)

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Guion: Dorothy Clarke Wilson, J.K. Ingraham y A.E. Southon. Dirección: Cecil B. DeMille

Heinrich Pommerencke, apodado “La Bestia de la Selva Negra”, era un joven alemán obsesionado con el sexo que tras ver la, según él, conducta libertina de las mujeres en Los Diez Mandamientos, decidió dedicarse a violarlas y matarlas en 1959 y 1960, hasta que fue detenido.

LA NARANJA MECÁNICA (A Clockwork Orange, 1971)

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Guion y dirección: Stanley Kubrick

Cuando se estrenó La Naranja Mecánica se puso de moda entre ciertos grupos de adolescentes británicos vestirse como el protagonista y sus amigos. Algunos fueron demasiado lejos en su deseo de emulación:

– Un adolescente de 16 años mató a patadas a un hombre de 60.

– Otro, vestido como el protagonista, golpeó salvajemente a un niño.

– Una joven holandesa fue violada por un grupo mientras cantaban “Singing in the Rain”, como en La Naranja Mecánica.

TAXI DRIVER (1976)

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Guion: Paul Schrader. Dirección: Martin Scorsese

En este caso fue un intento de asesinato llevado a cabo por John Hinkley Jr. que había estado bajo tratamiento psiquiátrico, tenía una novia imaginaria, había acosado a Jodie Foster y al presidente Jimmy Carter… y que cuando vio Taxi Driver se obsesionó tanto con el protagonista que acabó creyendo que era él.

En 1981 intentó matar al presidente Ronald Reagan e hirió a tres personas antes de ser detenido.

PESADILLA EN ELM STREET (A Nightmare on Elm Street, 1984)

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Guion y dirección: Wes Craven

En Inglaterra, Donald González quería ser famoso y no sabía cómo conseguirlo hasta que vio Pesadilla en Elm Street. La película le dio la idea: Si mataba a diez personas, todo el mundo hablaría de él y, además, sabría cómo se siente uno al ser Freddy Krueger.

Recorrió Sussex y el Norte de Londres durante tres días acuchillando a la gente. Mató a cuatro personas e hirió a otras dos antes de ser detenido.

Hay que señalar que había sido diagnosticado como esquizofrénico paranoide.

ROBOCOP 2 (1990)

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Guion: Edward Neumeier, Michael Miner, Frank Miller y Walon Green. Dirección: Irvin Kershner

Un asesino en serie de Orange County (Nueva York) declaró que mató a sus seis primeras víctimas de la misma manera en que lo hacía un personaje de Robocop.

EL REY PESCADOR (The Fisher King, 1991)

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Guion: Richard LaGravenese. Dirección: Terry Guillian

Aunque El Rey Pescador no es una película violenta, George Hennard declaró que una de sus escenas le dio la idea de entrar en una cafetería de Texas y disparar contra los clientes. Mató a 22 e hirió a 23 antes de suicidarse.

Los vecinos de Hennard dijeron que era una persona muy violenta y con ataques de paranoia.

ASESINOS NATOS (Natural Born Killers, 1994)

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Argumento: Quentin Tarantino. Guion: Oliver Stone, Dave Veloz y Richard Rutowski. Director: Oliver Stone

Asesinos Natos se lleva la palma en cuanto a película “inspiradora” de criminales hasta el punto que Oliver Stone fue llamado a declarar como testigo en algún que otro juicio por asesinato.

– En Georgia (U.S.A.), Ronnie Beasley se afeitó la cabeza, se compró unas gafas como las del protagonista de Asesinos Natos y, junto a su novia, Angela Crosby, se dedicó a recorrer el país en coche robando, secuestrando y matando a quien se les ponía por delante. La pareja se hacía llamar Mickey y Mallory, como los personajes del filme de Oliver Stone.

– También Nathan Martínez se compró unas gafas de sol y se afeitó la cabeza como Woody Harrelson antes de conducir hasta Salt Lake City, Utah, y asesinar a su madrastra y a su medio hermana de 10 años.

– Sarah Edmonson y Benjamin Darras se pasaron la tarde tomando LSD y viendo una y otra vez Asesinos Natos. Después cogieron un coche y condujeron desde Oklahoma hasta Mississipi, donde mataron a un hombre de un disparo. Continuaron hasta Louisiana donde dispararon contra Patsy Byers, a la que dejaron parapléjica.

El marido de Patsy Byers demandó a Oliver Stone, a la productora y a la distribuidora de la película porque consideraba que ellos habían inspirado los crímenes.

– Kimveer Gill disparó contra los alumnos del Dawson College de Montreal, Canadá, matando a una persona e hiriendo a 19 antes de ser detenido.

– Un chico de 14 años decapitó a una muchacha de 13 en Texas.

– Un grupo de jóvenes que había visto la película 19 veces, mató a un camionero en Georgia, U.S.A.

SCREAM (1996)

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Guion: Kevin Williamson. Dirección: Wes Craven

– En enero de 1998, Samuel Ramírez, de 14 años y Mario Padilla, de 16, apuñalaron 45 veces a la madre de éste último en California. Dijeron al juez que lo habían hecho para robar a la mujer una cantidad de dinero que necesitaban para comprar un disfraz y una máscara como las de Goshtface, el asesino de Scream.

– En Inglaterra, Daniel Gill y Robert Fuller, de 14 y 15 años respectivamente, apuñalaron 18 veces a una amiga. Antes del intento de asesinato habían estado viendo Scream en casa de un traficante de drogas.

– En Florida, un hombre con la máscara de Goshtface disparó contra una mujer, matándola.

– En Francia, un chico mató a sus padres.

– En Inglaterra, dos niños mataron a otro.

MATRIX (The Matrix, 1999)

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Guion y dirección: Larry y Andy Wachowski

– Se dice que los autores de la matanza del instituto de Columbine se habían inspirado en la película, pero lo cierto es que no vivieron para confirmarlo.

– Quien sí aseguró haber sido influido por Matrix es Lee Boyd Malvo que, junto a John Allen Muhammad, mató a 3 personas en Louisiana y Alabama y a 10 en Whasington. Tenían planeado asesinar a 6 víctimas cada día para aterrorizar al país.

– Vadim Mieseges mató a una mujer en San Francisco y declaró en el juicio que había sido abducido por Matrix.

– En Ohio, una chica disparó en la cabeza a una mujer y pensaba hacer lo mismo con otras tres cuando la detuvieron. Declaró que no lo había hecho de verdad, que sólo era un sueño.

– En Virginia, Joe Cook, de 19 años, aseguró que no sabía lo que hacía cuando se vistió como el protagonista de Matrix, Neo, cogió un arma que había comprado porque se parecía a una de las usadas en la película, y mató a sus padres adoptivos. Seguramente, el hecho de que los padres biológicos de Joe fueran esquizofrénicos tendría algo que ver en el asunto…

AMERICAN PSYCHO (2000)

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Guion: Mary Harron y Guinevere Turner. Dirección: Mary Harron

– Michael Hernández asestó 40 puñaladas a su amiga Jamie Gough después de haber pasado la noche leyendo críticas y reportajes sobre esta película y sobre los asesinos de niños en Australia.

No son estas las únicas películas a las que se atribuye una influencia negativa sobre algunos espectadores. Tú ¿qué opinas? ¿La culpa es del cine o de los asesinos?

Beware the Slenderman: Cuando lo virtual invade la realidad

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Slenderman (llamado en español El Hombre Delgado) es un personaje ficticio que nació en 2009 en el foro de internet Something Awful.

En principio, se trataba de editar fotografías para añadirles una figura sobrenatural o fantástica. Un forero cuyo nick era Victor Surge, subió dos fotografías en blanco y negro que mostraban un grupo de niños y les añadió la figura espectral de un hombre al que llamó The Slender Man.

Agregó a la primera fotografía el siguiente texto: “No queríamos ir, no queríamos matarlos, pero su persistente silencio y sus extendidos brazos nos horrorizaban y nos confortaban al mismo tiempo… 1983, fotógrafo desconocido dado por muerto”.

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Al pie de la segunda imagen escribió: “Una de las dos fotografías recuperadas del incendio de la Librería de Stirling City. Notable por haber sido tomada el mismo día en que catorce niños desaparecieron y por lo que se conoce como “El Slender Man”. Deformidades citadas por oficiales como defectos de cámara. El incendio en la librería ocurrió una semana después. Fotografía real confiscada como evidencia. 1986, fotógrafo: Mary Thomas, desaparecida desde el 13 de junio del mismo año”.

Slenderman, o The Slender Man, es un hombre muy alto y delgado cuyo rostro no tiene facciones, siempre viste con traje y de su espalda salen seis tentáculos. Acosa, persigue y acecha a sus víctimas que suelen ser niños o adolescentes.

El éxito de Slenderman en Something Awful le hizo traspasar el foro y recorrer internet como personaje de numerosas obras de ficción audiovisuales y escritas, juegos y webseries ideadas por sus fans.

Como ya ha pasado a menudo con determinadas películas de terror, no tardaron en aparecer casos de asesinos en la vida real que decían haber cometido sus crímenes por influencia de Slenderman.

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Uno de estos sucesos tuvo lugar el 31 de mayo de 2014, en Wisconsin, cuando dos niñas de 12 años apuñalaron 19 veces a una compañera de clase porque querían convertirse en ayudantes de Slenderman e irse a vivir a la mansión de éste.

Las dos niñas, Morgan Geyser y Anissa Weier, son las protagonistas del documental de la HBO “Beware The Slenderman”, escrito y dirigido por Irene Taylor Brodsky y estrenado en mayo de 2016.

En “Beware The Slenderman” (Cuidado con el Slenderman), los estupefactos padres de las dos niñas nos cuentan sus impresiones y su asombro ante lo que han hecho sus hijas; podemos ver los interrogatorios policiales a las dos menores y asistir al juicio en el que ambas se enfrentaban a una posible condena de 65 años de cárcel.

“Beware The Slenderman” es un documental absolutamente recomendable en el que vemos lo que ocurre, a veces, cuando lo virtual invade la realidad…

Diez películas de culto

Según la Wikipedia, película de culto es “cualquier producción cinematográfica que ha adquirido alguna clase de culto popular, ya sea por su formato, su producción, su trama o su significado histórico”.

Cuando pensé en escribir una entrada sobre diez películas de culto no pensé que la selección iba a ser tan difícil porque no me había dado cuenta de que existieran tantas producciones cinematográficas que puedan incluirse en esta categoría.

En fin… Ahí van mis diez:

FREAKS (1932)

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Freaks (La Parada de los Monstruos, en España y Fenómenos, en Latinoamérica) fue un completo fracaso cuando se estrenó pero es una de las películas de culto más buscadas por los cinéfilos hoy en día.

Dirigida por Tod Browning y escrita por Willis Goldbeck, Leon Gordon, Edgard Allan Woolf y Al Boasberg, Freaks transcurre en un circo y cuenta la historia de un enano que decide vengarse de la trapecista que se casó con él para apoderarse de su dinero. Casi todos los artistas del circo son personajes con deformidades físicas o discapacidades mentales al igual que los actores que los interpretan.

THE OUTLAW (1943)

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A pesar de que la publicidad vendiera Brokeback Mountain como el primer western gay de la historia del cine, eso es falso:

En primer lugar, porque Brokeback Mountain no es un western por mucho sombrero tejano y mucho caballo que tengan los protagonistas; en segundo lugar, porque el primer western gay de la historia del cine es The Outlaw (El Forajido), aunque la relación de amor-odio entre Doc Hollyday y Billy El Niño y los celos de Pat Garrett no se entienden muy bien al tener que sortear la censura de la época.

Tampoco ayuda a entender la historia el papel de la chica (Jane Russell) cuyo personaje está en el guion para disimular y que parezca que sus protagonistas son heteros.

Dirigida por el millonario Howard Hugues y con guion de Jules Futhman, Ben Hetch y Howard Hawks, la película es francamente mala pero tiene su encanto.

EL SÉPTIMO SELLO (1957)

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Escrita y dirigida por Ingmar Bergman, la acción de El Séptimo Sello (Det sjunde inseglet) transcurre en la Edad Media, durante la Peste Negra, y relata el viaje de un caballero cruzado y de su partida de ajedrez con la Muerte. Una obra maestra y un clásico de la historia del cine.

À BOUT DE SOUFFLE (1960)

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Dirigida por Jean-Luc Godard y con guion de éste y de Françios Truffaut, À Bout de Souffle (Sin Aliento/Al Final de la Escapada) es una de las películas emblemáticas de la Nouvelle Vague francesa.

À Bout de Souffle cuenta la historia de Michel, un delincuente que emprende un viaje desde Marsella a París y que durante el trayecto mata a un agente de la policía de tráfico. Cuando llega a París debe correr de un lado a otro para conseguir cobrar un dinero que se le debe y para evitar a la policía que le persigue.

LA CABINA (1972)

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La Cabina es un mediometraje dirigido por Antonio Mercero y escrito por él mismo, por Juan José Plans y por Jose Luis Garci y nos relata la kafkiana historia de un hombre, José Luis López Vázquez, que se queda encerrado en una cabina telefónica de la que no puede salir pese a los esfuerzos de los transeúntes para ayudarle.

LA MATANZA DE TEXAS (1974)

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Escrita por Kim Henkel y Tobe Hooper y dirigida por éste último, La Matanza de Texas (The Texas Chain Saw Massacre) cuenta las peripecias de un grupo de amigos que viaja a Texas y cae en manos de una familia de locos asesinos caníbales.

¿QUIÉN PUEDE MATAR A UN NIÑO? (1976)

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Una pareja de turistas ingleses llega a una isla española del Mediterráneo a pasar unos días de vacaciones. En la isla ocurre algo extraño: no se ven adultos, sólo niños, y parece como si la gente hubiera abandonado sus casas de repente y a toda prisa…

Así empieza la película escrita y dirigida por Narciso Ibáñez Serrador, un film de terror en el que la acción transcurre de día, a pleno sol y en un paisaje paradisíaco.

EL MARIACHI (1992)

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El Mariachi es la opera prima de su guionista y director, Robert Rodríguez. Hecha con un grupo de amigos, la película costó 7.000 dólares y recaudó 2.000.000.

El éxito de El Mariachi dio lugar a dos producciones más, protagonizadas por Antonio Banderas y Salma Hayek: Desperado y Once Upon A Time in Mexico.

LAS AVENTURAS DE PRISCILLA, REINA DEL DESIERTO (1994)

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Las Aventuras de Priscilla, Reina del Desierto es un film australiano escrito y dirigido por Stephan Elliott.

Sus protagonistas (dos gays y una transexual que trabajan como drag Queens) atraviesan el desierto australiano en un autobús llamado Priscilla para hacer una actuación en una sala de fiestas de un hotel.

IDIOCRACIA (2006)

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Escrita por Etan Cohen y Mike Judge y dirigida por éste último, Idiocracia (Idiocracy) ataca lo políticamente correcto y eso le ha hecho que tenga defensores y detractores a ultranza:

La película parte de la idea de que las personas inteligentes se reproducen menos que los individuos de bajo cociente intelectual, lo que provoca que en el año 2505 (fecha en la que se desarrolla la acción de Idiocracia) la humanidad haya involucionado y sea idiota e ignorante.

Bueno, estas son mis diez películas de culto aunque reconozco que me he dejado muchas en el tintero. ¿Cuáles serían las tuyas?

Vampiros en La Habana

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Vampiros en la Habana es un film cubano de dibujos animados para adultos. Estrenada en 1985, con los años se ha convertido en película de culto.

Escrita por los guionistas Juan y Ernesto Padrón y dirigida por Juan Padrón, Vampiros en La Habana tiene más de comedia que de película de terror (aunque algunos de los vampiros que aparecen son malos, malísimos).

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Vampiros en La Habana empieza con una breve introducción en la que nos cuentan que en 1870 los vampiros se dividieron en dos grandes fracciones:

– La europea, llamada el “Grupo Vampiro”, con sede en Dusseldorf (Alemania) presidido por el Conde Drácula.

– La americana (formada por vampiros que emigraron a Chicago), llamada “Capa Nostra” y presidida por Johnny Terrori.

Un vampiro científico, Werner Amadeus Von Drácula, lleva años investigando en busca de un producto que haga a los vampiros inmunes a la luz del sol. Cree haber encontrado la fórmula definitiva y se la da a probar a su padre, el Conde Drácula. El experimento es un fracaso, el Conde muere y Werner debe huir de Europa junto con su sobrino Joseph. Ambos se refugian en Cuba.

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Pasan los años y llegamos a 1933, fecha en la que transcurre la acción de Vampiros en La Habana. Ahora sí que Werner ha encontrado el producto que protege a los vampiros del sol, Vampisol, y se lo administra a su sobrino Joseph Amadeus Von Drácula (Pepito, desde que vive en La Habana).

Pepito no sabe que es vampiro y lleva una vida normal dedicándose a tocar la trompeta en un club nocturno y luchando contra la dictadura de Machado en un grupo revolucionario clandestino.

Los problemas empiezan cuando el científico decide hacer pública su fórmula para que todos los vampiros del mundo puedan tomarla gratuitamente:

El “Grupo Vampiro” europeo viaja a Cuba para impedirlo, ya que pretenden comercializar Vampisol ; y la “Capa Nostra” americana, por su parte, quiere apoderarse de la fórmula para evitar que su negocio de playas artificiales para vampiros vaya a la quiebra.

A partir de aquí, Vampiros en La Habana, es una entretenida película de acción y humor llena de chistes, persecuciones, sangre y diversión.

Existe una secuela de Vampiros en La Habana titulada Más Vampiros en La Habana de la que he leído buenas críticas pero sobre la que no puedo opinar porque aún no he conseguido verla.

 

Tres series de Europa del Este para espectadores inconformistas

Si eres uno de esos espectadores inconformistas que disfruta buscando novedades que se salgan de lo habitual, si te gusta experimentar y probar cosas nuevas, no hace falta decirte que Estados Unidos y Gran Bretaña no son los únicos países que hacen series de televisión de calidad.

Canadá, Australia, Nueva Zelanda, Francia, Italia… también se han subido al carro de cuidar los guiones y producir series para un público adulto que pide buenas tramas, personajes consistentes e historias con personalidad.

Europa del Este también está haciendo cosas interesantes que empiezan a tener audiencia fuera del área de influencia de la antigua Unión Soviética y hoy te traigo tres muestras de ello:

POD PRIKRITIE (Encubierto)

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Creada por el guionista Dimitar Mitovski, Pod Prikritie (Encubierto) es una serie búlgara que Netflix ha incluido en su catálogo hace unos meses.

El protagonista de Pod Prikritie es Martin (Ivaylo Zahariev), un policía que se ha preparado durante años para infiltrarse en la banda mafiosa más peligrosa de Bulgaria, dirigida por Dzharo (Zahariev Mihail Bilalov).

La serie se inicia cuando Martin empieza a trabajar para Dzharo en el nivel más bajo de la organización y a lo largo de la primera temporada vemos cómo va ascendiendo en un ambiente de robos, prostitución, tráfico de drogas, violencia y corrupción.

KURSANTY (Cadetes)

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Kursanty (Cadetes) es una serie rusa escrita por Zoya Kudrya y dirigida por Andrei Kavun que se basa en las memorias de un famoso director de cine soviético: Piotr Todorovsky.

La acción de Cadetes transcurre durante la Segunda Guerra Mundial y narra la vida de un grupo de muchachos que ingresan en la en una academia militar donde, en sólo 90 días, se formarán para ser enviados al frente.

ARANYLET (Una Vida Regalada)

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Aranylet (Una Vida Regalada), es una serie húngara producida por HBO Europa.

Sus creadores son los guionistas Roope Lehtinen y Mikko Pöllä y se han basado en la serie finlandesa Helppi Elämä.

Aranylet nos cuenta la historia de la familia Miklosi: padre, madre y dos hijos adolescentes.

Aparentemente, los Miklosi son una familia de clase media alta muy normal y así lo creen sus vecinos y conocidos pero lo cierto es que el padre, Attila (Szabolcs Thuróczy) es un delincuente que vive de estafas inmobiliarias y de “trabajos” para un importante mafioso de Budapest.

La madre, Janka (Eszter Ónodi), presiona a su marido para que haga cada vez más “trabajos” ilegales que les permitan mantener su elevado nivel de vida y la ayuden a ella a ascender socialmente a través de los contactos que consigue con su participación en una ONG de mujeres ricas.

El hijo de 17 años, Márk (Renátó Olasz) sigue los pasos de su padre metiéndose en asuntos cada vez más turbios y violentos mientras que la hija menor, la quinceañera Mira (Laura Döbrösi), quisiera que su familia trabajase honradamente aunque ello signifique bajar de nivel social y pasar estrecheces económicas.

¿Te animas a darle una oportunidad a alguna de las tres? ¿Nos puedes recomendar otras series “diferentes” para espectadores inconformistas?

Nosferatu: La soledad del monstruo

De todos los vampiros, literarios y cinematográficos que conozco, sólo el viejo Nosferatu de Murnau (Alemania, 1922) ha sido capaz de despertar mi compasión. Basada en la novela de Bram Stoker y con guion de Henrik Galeen, la película “Nosferatu, una Sinfonía del Horror” es una de las que mejor reflejan lo que significa ser un monstruo.

Nosferatu, eine Symphonie des Grauens

El monstruo no es bueno ni malo. Ser un monstruo no es positivo ni negativo en sí mismo.

La diferencia entre la monstruosidad y la normalidad es una mera cuestión estadística:

Es normal aquello que entra dentro de la norma, es decir, que tiene las características mayoritarias en la naturaleza.

Es monstruoso aquello que tiene demasiadas propiedades que se apartan de la normalidad.

Por ello el monstruo es un ser anormal.

Y ser anormal tampoco es bueno ni malo, negativo o positivo, simplemente es un calificativo que describe lo que no sigue la norma.

nosferatu8

El conflicto entre normal y anormal, entre el monstruo y el resto de los seres, surge cuando se ven obligados a compartir un mismo espacio, porque el exceso de características que les diferencian no sólo les impide convivir sino que les enfrenta: para que uno de ellos sobreviva, el otro debe morir.

El vampiro está obligado a destruir al ser humano porque necesita su sangre para sobrevivir, como el león precisa de la carne de la cebra para alimentarse.

El ser humano necesita destruir al vampiro porque su proximidad es una seria amenaza para la supervivencia.

Ninguno de los dos es el “malo” de la película puesto que ambos se limitan a luchar por su supervivencia según les obligan las leyes naturaleza.

Nosferatu, eine Symphonie des Grauens

El monstruo, el vampiro, está condenado a la soledad a la vez que se ve obligado a buscar la proximidad con los seres humanos. Y el guionista Henrik Galeen y F.W.Murnau supieron reflejar muy bien esa soledad en la película Nosferatu, con ese pobre vampiro que vive aislado en su viejo castillo de los Cárpatos, sin nadie que le acompañe… que tiene que conducir él mismo su coche de caballos porque no tiene cochero… que sirve la cena a su invitado alegando que los criados están durmiendo, cuando sabemos que no puede tener criados… que pasa las noches solo y en vela, espiando tras la ventana lo que sucede en la casa de sus vecinos humanos…

Por eso, por esa soledad obligada y no escogida, Nosferatu me ha parecido siempre digno de compasión.

Cada vez que vuelvo a ver esta vieja película de Murnau y veo ese pobre monstruo, tan terriblemente feo, recorrer las calles vacías de la ciudad con su ataúd bajo el brazo, no puedo evitar sentir cierta ternura hacia él…