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Funciones dramáticas de los personajes

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En un guion no puede haber elementos inútiles porque todo aquello que no ayude a contar la historia la dispersará y la volverá confusa, le hará perder fuerza, claridad y concentración.

Esto es especialmente importante cuando se trata de los personajes, ya que ellos son las piezas principales con las que tú, guionista, montas ese rompecabezas que es un guion. Por lo tanto, no debe haber personajes inútiles.

¿Cómo sabemos que un personaje es inútil?

Es más sencillo de lo que puede parecer a primera vista: Si tenemos en cuenta que todo personaje debe cumplir una función dramática dentro de la narración, bastará con examinar nuestro guion y preguntarse qué función desempeña cada uno de ellos en la historia: aquel que no cumpla ninguna será un personaje inútil.

Existen cinco funciones dramáticas básicas:

1.- Contar la historia:

Cuando el personaje, con sus acciones, con lo que dice, por cómo reacciona ante las situaciones en las que actúa, por las decisiones que toma y las consecuencias de éstas, provoca conflictos, nos ayuda a comprender el relato, hace que nos interesemos por lo que se nos cuenta y/o hace avanzar el argumento.

2.- Apoyar a un personaje principal:

Cuando sirve para dar profundidad a otro personaje y nos ayuda a conocerlo mejor, a entender qué siente y por qué actúa de la manera en que lo hace.

3.- Comunicar el tema de la historia:

Es decir, ayudar a entender al espectador la “moraleja” o la filosofía de la narración, aquello sobre lo que el autor desea reflexionar.

4.- Realizar acciones necesarias para que avance la trama:

Si el protagonista sube a un taxi, tendrá que haber un taxista que conduzca; si el antagonista compra rifles en el mercado negro, será necesario que haya un traficante de armas que se los venda, etc.

5.- Añadir color y ambiente a la narración:

Si el guion es la biografía de un boxeador, necesitaremos que aparezcan otros boxeadores, entrenadores, y gente que haga “sentir” al espectador que “está” en el mundo del boxeo; si el relato ocurre en la Prehistoria, serán precisos personajes característicos de esa época que con su comportamiento, sus quehaceres o su forma de entender la vida le den un “clima” prehistórico a la película.

Como guionista, debes ser muy estricto en esto si quieres que tu guion sea el mejor guion posible: Nunca debes olvidar que un personaje puede realizar varias de estas funciones dramáticas básicas, pero si no lleva a cabo ninguna, es un personaje inútil y por la tanto hay que eliminarlo.

Si tienes un guion escrito y necesita una revisión, solicita un análisis de guion que te ayude a mejorarlo.

Si tienes una idea y quieres convertirla en guion con la ayuda de alguien que te dé una visión desde fuera, pide un análisis de proyecto o una tutoría con seguimiento personalizado hasta que termines tu guion.

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Si quieres escribir un buen diálogo, haz que tus personajes mientan de vez en cuando

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Dos de los fallos más habituales que suelen cometer los guionistas principiantes a la hora de escribir diálogos son:

  1. Sus personajes dicen todo lo que se les pasa por la cabeza.
  2. Son absolutamente sinceros cuando hablan.

Si queremos que nuestros personajes sean creíbles debemos hacerles hablar como personas reales. Y los seres humanos no decimos nunca todo lo que se nos pasa por la cabeza, ni siempre decimos la verdad.

Los personajes pueden y deben mentir

Los personajes de tu guion pueden y deben mentir porque:

  • Así la película se vuelve imprevisible y más interesante.
  • Conseguimos sorprender al espectador cuando le descubrimos que la verdad no es la que él creía.
  • Cuando el espectador sabe que no puede confiar en la sinceridad del personaje, éste se vuelve más ambiguo y, por lo tanto, más interesante.

Diferentes formas de mentir:

Existen diferentes formas de faltar a la verdad y  todas pueden ser efectivas dramáticamente si las utilizamos a la hora de escribir nuestros diálogos:

1. Mentir directamente

Esta forma de mentir no tiene mucho misterio, se trata de decir que lo blanco es negro, que hoy has ido al gimnasio cuando no lo has hecho…

Es la manera en que le mienten al detective Jake Gittes (Jack Nicholson) en “Chinatown”, al principio, cuando una cliente dice ser la Sra. Mulwray y le encarga que siga a su marido para averiguar si le está siendo infiel.

Más tarde Gittes y nosotros los espectadores descubriremos que esa mujer no es la Sra. Mulwray ni pretende averiguar si él está teniendo una aventura con una jovencita.

2. Mentir por omisión

También en “Chinatowwn” se miente por omisión. Lo hace el personaje de Faye Dunaway (Evelyn Mulwray) en la escena en que ella y Gittes están sentados en el bar:

Gittes ha averiguado que todos le engañan y manipulan. Está enfadado y ha sacado sus propias conclusiones de por qué le mienten y sobre lo que en realidad sucede y así se lo hace saber a Evelyn.

Nosotros como espectadores estamos de acuerdo con Gittes porque sus razonamientos nos parecen lógicos. Pero Gittes (como nosotros) no tiene todos los datos y se equivoca al interpretar los hechos.

Evelyn sí que sabe la verdad pero calla. Con su silencio, ella hace que Gittes y nosotros pensemos que él está en lo cierto. Evelyn ha mentido por omisión.

5. Inducir al personaje que escucha a llegar a conclusiones erróneas

Es lo que hace el villano de “Sospechosos habituales”: Se aprovecha del error que ha cometido la policía respecto a la identidad de uno de los personajes al principio de la película y alimenta esa conclusión errónea de los agentes y los espectadores durante casi todo el film.

4. Mentirse a sí mismo

Cuando el personaje (como las personas reales hacemos a menudo) se engaña a sí mismo porque no quiere reconocer una realidad que le hace sentirse mal.

Es lo que sucede en “Los Puentes de Madison” (“The Bridges of Madison County”) cuando Francesca (Meryl Streep) le dice a Robert (Clint Eastwood) que no va a marcharse con él.

Las excusas que Francesca da no tienen ningún sentido, las va ideando a medida que habla porque no quiere reconocer la verdad:

La única razón por la que no se irá con Robert es que le da miedo el salto al vacío que eso supone. Su vida es aburrida y a ella le atrae la aventura y el riesgo, pero su rutinaria vida es segura y Francesca no tiene el valor suficiente para llevar a cabo un cambio tan rotundo.

5. No distinguir entre realidad e irrealidad

No se puede decir que no diferenciar lo que es real de lo que no lo es sea exactamente mentir, pero se le parece bastante.

Es lo que le sucede a Norman Bates (Anthony Perkins) en “Psicosis” (Psycho) cuando le dice a Marion (Janet Leigh): “Mi madre y yo vivimos aquí solos desde hace diez años”.

Es posible que Norman esté siendo sincero en ese momento pero más tarde descubriremos que Bates es un psicótico que hace mucho que no percibe la realidad.

Hacer que tus personajes mientan directamente o por omisión, que induzcan a otros personajes a sacar conclusiones erróneas, se engañen a sí mismos, falten a la verdad porque no distinguen lo real de lo irreal… es una manera de conseguir que tu guion sea más interesante y tus personajes ganen en verosimilitud y profundidad.

No lo olvides: Si quieres escribir un buen diálogo, haz que tus personajes mientan de vez en cuando.

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¿Por qué nos gustan las historias de monstruos?

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Desde hace miles de años el ser humano se ha sentido atraído por las historias que narran el enfrentamiento de un héroe contra un monstruo.

Alien, King Kong o los zombis de nuestros días son la nueva versión de seres monstruosos como el Minotauro, la Medusa o los dragones de los mitos de la antigüedad y las brujas, los gigantes o los ogros de los cuentos tradicionales.

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Habitualmente el monstruo es una amenaza para el héroe y/o para una comunidad:

San Jorge debe luchar contra el dragón porque éste destruirá el reino si no se le entrega una doncella cada cierto tiempo, los zombis deben ser eliminados porque pretenden devorar los cerebros de todo ser humano que se les ponga por delante, la bruja de Hansel y Gretel tiene esclavizada a Gretel y planea comerse a Hansel…

El monstruo puede ser una criatura extraterrestre como en las películas de “Alien”, un animal peligroso como en “Tiburón”, un hombre aparentemente normal pero que esconde un interior monstruoso como en la serie “Hannibal”. También puede ser una multitud como en el caso de los filmes de zombis. Incluso puede ser una extraña enfermedad que amenaza con acabar con toda la humanidad.

Hannibal

A primera vista, las historias de monstruos son muy sencillas:

El protagonista se enfrenta a una criatura pavorosa y aparentemente invencible, pierde todas las batallas, su situación es cada vez peor a medida que avanza la narración y, cuando parece que va a sucumbir ante el terrible enemigo, realiza un esfuerzo sobrehumano que le otorga la victoria sobre el monstruo.

El héroe de estos relatos no es muy elaborado desde el punto de vista psicológico ni experimenta ningún cambio interior o evolución.

Se diría que estas historias son una repetición constante de la misma narración con ligeras variaciones como pueden ser lo pintoresco del aspecto del monstruo o la espectacularidad de sus poderes de destrucción.

Pero la simplicidad de las historias de monstruos es sólo aparente porque son relatos simbólicos, dirigidos a nuestro subconsciente.

Como todos los mitos y cuentos infantiles tradicionales, son narraciones en las que, a través de una historia externa, se relata un itinerario interior de cambio emocional.

Los héroes de estas historias no sufren cambios interiores ni tienen profundidad psicológica porque son arquetípicos y no la necesitan: el monstruo con el que se enfrentan simboliza la carencia, fallo humano o demonio interior que deben superar.

Matar al monstruo es un símbolo de evolución y superación que puede que no comprendamos de manera consciente (ni falta que hace: si lo hiciéramos, la historia dejaría de ser “sanadora” o “eficaz” para nuestra psique) pero que nuestro subconsciente sí que capta y entiende. Por eso nos gustan las historias de monstruos, porque nos ayudan a superar nuestros demonios internos.

Existen cuatro variantes según el tipo de monstruo, su relación con el héroe y/o la forma en que el espectador percibe al primero:

Cuando le tomamos cariño al monstruo

Ejemplo de este tipo de películas son “Frankenstein” o “King Kong”. En ellas el guion empieza de la forma habitual con el monstruo causando estragos en una comunidad, pero a medida que avanza la historia nos vamos dando cuenta de que la criatura que debería asustarnos tiene cualidades buenas y parece más humano que los humanos, empezamos a justificar sus acciones y terminamos poniéndonos de su parte. Acabamos tomándole cariño.

Esta clase de película suele funcionar mal porque, desde el punto de vista de simbolismo subconsciente, si el monstruo no es “malvado” no puede ser el representante de un defecto interior y el espectador, que percibe esto inconscientemente, intenta reconstruir la historia a su manera para darle sentido, acaba percibiendo al héroe como negativo y no se identifica con él.

Huir del monstruo

“El Incidente (The Happening, guion y dirección de M. Night Syamalan) o “El Diablo Sobre Ruedas” (Duel, escrita por Richard Matheson y dirección de Spielberg) son dos muestras de esta variante de historias de monstruos.

En la primera, “El Incidente”, el protagonista se limita a huir, sin luchar, de la extraña enfermedad que hace que la gente se suicide, lo que puede ser lógico en la vida real pero resulta poco efectivo como simbolismo porque nadie supera un fallo interior intentando huir de él.

En el segundo ejemplo, “El Diablo Sobre Ruedas”, el héroe se pasa parte de la película huyendo de un camión que le persigue, pero llega un momento en el que comprende que no puede escapar y decide enfrentarse a su perseguidor con intención de acabar con él.

El mensaje simbólico de la primera sería: “Si huyes de tu demonio interior, puede que acabe desapareciendo”. En el caso de la segunda es: “Si luchas contra tu problema interno, acabarás derrotándolo”. Evidentemente, éste último resulta mucho más inspirador que el primero.

Otra muestra de film con protagonista que huye del monstruo es “El Proyecto de la Bruja de Blair” (“The Blair Witch Project”, escrita por Daniel Myrick y Eduardo Sánchez) donde un grupo de documentalistas son perseguidos por algo sobrenatural y mortífero a través del bosque hasta que todos acaban muertos. El mensaje simbólico en este caso es: “Si huyes de tus defectos internos, acabarán destruyéndote”.

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Matar al monstruo equivocado

Es lo que le sucede a Sean Penn en “Mystic River” (guion de Brian Helgeland) que cree que su hija ha sido asesinada por un amigo suyo y lo mata. Después descubre que el asesino es otro.

En este caso, el protagonista ha matado al monstruo equivocado y su situación es mucho peor que antes de hacerlo.

El mensaje simbólico es evidente: “Cuidado con luchar contra un fallo interno erróneo porque acabarás con problemas mayores de los que ya tenías”.

El monstruo mata al héroe

Es lo que sucede en “Valkiria” (Valkirye, guion de Chistopher McQuarrie y Nathan Alexander) donde Tom Cruise es un oficial alemán que conspira para asesinar a Adolf Hitler y acabar con el nazismo. El plan fracasa y Tom Cruise es fusilado.

Esta variante no suele gustarle al público porque el mensaje simbólico es desesperanzador: “Hay demonios interiores tan fuertes que, si intentas luchar contra ellos, acabarán derrotándote”.

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Un guion es tan bueno como lo es su villano

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Aunque, como espectadores, nos identificamos con los protagonistas de las películas y series de televisión que nos gustan, lo cierto es que muchas veces son los villanos, los antagonistas, las auténticas estrellas de las historias de más éxito:

¿Crees que las aventuras de Batman tendrían tantos seguidores si no existiera el Joker?

Han transcurrido más de cien años desde que Bram Stoker escribiera “Drácula” y casi se nos olvida que el célebre vampiro no era el protagonista sino el antagonista de la novela y de casi todas las películas que se han producido sobre él desde entonces.

El impacto que causó la película “El Silencio de los Corderos” se basa en un magnífico villano que ni era protagonista ni antagonista, sino un personaje catalizador que ayudaba a mantener la historia en movimiento y daba información necesaria para que avanzase la acción. Sí, me refiero al inolvidable Hannibal Lecter interpretado por Anthony Hopkins y que eclipsó a la protagonista, Clarice Starling, y al antagonista, el asesino apodado Buffalo Bill.

A la hora de escribir un guion hay que dedicarle tanto o más tiempo y atención al villano que al protagonista, aunque suele ser más divertido crear y desarrollar al malvado que al “chico de la película”. ¿Por qué? Muy sencillo: Mientras el protagonista debe seguir unas normas éticas o morales, el antagonista puede hacer cualquier cosa que desee para conseguir su objetivo y, por lo tanto, el guionista puede ser mucho más creativo con su villano que con su héroe.

Muchas veces el antagonista del guion es todo lo opuesto al protagonista. También puede ser una versión oscura y desequilibrada de la personalidad del héroe.

Si quieres crear un villano inolvidable debes tener en cuenta que no basta con imaginar a alguien muy malvado, además debes individualizarlo, hacerlo único, darle alguna característica que lo humanice y lo aleje del cliché.

Debes tener presente que el villano no se ve a sí mismo como tal, de la misma manera que ninguna persona real -no importa lo malvada que sea- se considera a sí misma una mala persona. Seguramente, Hitler y Stalin tenían una idea más positiva de sí mismos que la que tenemos nosotros.

En el fondo, los villanos representan nuestros temores, nuestros deseos más profundos y oscuros, lo que nos da miedo de nuestro propio interior, de nuestros instintos más primarios…

Se dice que un guion es tan bueno como lo es su villano.

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Better Call Saul: Los problemas de escribir un spinoff

Ana M. Vargas6 Comments

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El guionista Vince Gilligan declaraba en una entrevista para el diario británico The Guardian que el personaje de Saul Goodman (Bob Odenkirk) nació cuando estaba escribiendo el guion de Breaking Bad y el equipo de guionistas pensó que Walter White necesitaba un “consigliere” que fuera para él lo que Tom Hagen era para Michael Corleone en “El Padrino”.

Saul Goodman viste mucho peor que Tom Hagen y la peculiar decoración de su oficina no sería del gusto de la familia Corleone, pero se convirtió en uno de los personajes más divertidos de la serie y esa fue una de las razones que llevaron a Vince Gilligan y Peter Gould a escribir un spinoff de Breaking Bad sobre él: Better Call Saul.

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En Better Call Saul este abogado liante y de moral “relajada” no es todavía Saul Goodman sino Jimmy McGill y está intentando abrirse camino como letrado aunque sus únicos clientes son jubilados que le contratan para que redacte sus testamentos.

Jimmy admira a su hermano mayor, Charles “Chuck” McGill (Michael McKean), un abogado de gran prestigio, y su afán es que su hermano se sienta orgulloso de él. Pero a Chuck le disgusta el poco respeto que Jimmy tiene por la ley y su afición a hacer trampas con tal de ganar un caso. Esto hace que la relación entre ambos hermanos sufra altibajos.

Tampoco ayuda demasiado el hecho de que Chuck tiene un carácter quisquilloso e inflexible y sufre de hipersensibilidad ultramagnética (al menos, eso asegura él) lo que condiciona su vida y la de Jimmy.

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Una de las dificultades de escribir un spinoff (serie creada a partir de otra) es que hay que ser consecuente con lo que se dijo del personaje en la serie original y eso puede traer complicaciones.

Es lo que les pasa a los guionistas Vince Gilligan y Peter Gould que, repasando episodios de Breaking Bad, encontraron una frase que no era más que un chiste sin importancia y que ahora les da problemas: En el episodio 4 de la temporada 3, Saul Goodman decía “Pillé a mi segunda esposa follando con mi padrino”.

Los creadores de Better Call Saul ni siquiera recordaban dicha frase pero ahora se encuentran con que van a tener que casar a su protagonista dos veces, como mínimo, a lo largo de la serie.

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Otro problema es que el personaje de Kim Wexler (Rhea Seehorn), la abogada, amiga y medio novia de Jimmy, se ha hecho cada vez más importante en Better Call Saul pero no estaba en Breaking Bad y tendrá que desaparecer tarde o temprano…

Los guionistas aseguran no saber todavía qué hacer con ella: ¿Harán que a Kim no le guste la transformación de Jimmy en Saul y rompa con él? ¿La mandarán de viaje a Europa? ¿La dejarán en coma? ¿La matarán?

Restaurante de Medianoche: Historias de Tokio

Ana M. Vargas17 Comments

“Restaurante de Medianoche” (Shinya Shokudo) es una serie de televisión japonesa que podemos ver con subtítulos en español gracias a Netflix.

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Adaptación de un cómic del mismo título, ganador del 55º premio Shogakukan de manga, la acción de “Restaurante de Medianoche” sucede en un pequeño local que abre a las doce de la noche y cierra a las siete de la mañana.

El protagonista (Kaoru Kobayashi) es el camarero, cocinero y único trabajador del restaurante. Todas las noches cocina un solo plato, el menú del día, pero si alguien le pide otra cosa también la prepara, siempre que tenga los ingredientes o los proporcione el propio cliente.

La  primera temporada de “Restaurante de Medianoche” consta de 10 episodios de unos 24 minutos de duración cada uno y sus historias son sencillas y cotidianas como los personajes que entran en el local.

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Cada capítulo tiene el título de un plato de cocina:

En “Sopa de Fideos con Verdura”, un locutor de radio descubre que la taxista que cena junto a él, es la actriz que interpretaba una serie de super héroes que él veía de niño.

En “Perrito de Maíz”, un actor antaño famoso, se siente celoso y se pelea con su ex ayudante que ahora triunfa en la televisión.

En “Cerdo a la Plancha”, una oficinista cena y teje jerseys de lana para los hombres de los que se enamora.

En “Tofu de Huevo”, un niño cree que tiene algo en común con una chica porque a los dos les gusta el tofu de huevo.

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Así, plato a plato, cliente a cliente, en “Restaurante de Medianoche” los espectadores entramos en las vidas y los problemas de los personajes a la vez que aprendemos cocina japonesa, ya que el cocinero de la serie nos da la receta del plato estrella de cada episodio, además de explicarnos algún que otro truco para que sepa mejor.

Antes de Morir: Mafia croata, motoristas suecos y narcotráfico internacional

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Antes de Morir (Innan vi dör) es una serie policíaca sueca con guion de Niklas Rockström y Wilhelm Behrman.

Su protagonista, Hanna, (Marie Richardson) es una policía que trabaja en la Unidad Contra el Crimen Organizado. Es tan estricta en sus principios que detuvo a su único hijo, Christian (Adam Palsson), cuando descubrió que éste traficaba con drogas.

Hanna piensa que su hijo debería comprender que si lo mandó a la cárcel fue por su propio bien, pero Christian opina que su madre es una entrometida que lo ha traicionado.

Christian ha pasado dos años en la cárcel y acaba de ser puesto en libertad cuando comienza Antes de Morir. Evidentemente, la relación entre madre e hijo está muy deteriorada aunque Hanna intenta, sin éxito, recomponerla.

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Sven, pareja de Hanna y policía como ella, es secuestrado cuando investigaba un asunto de narcotráfico relacionado con una banda de motoristas y poco después aparece su cadáver con muestras de haber sido torturado.

Hanna y otro policía, Björn (Magnus Krepper), se harán cargo del caso que llevaba Sven. Éste tenía un infiltrado al que únicamente conocía él y del que Hanna y Björn sólo saben que se hace llamar “Inez”.

La única manera en que pueden comunicarse con Inez es mediante mensajes telefónicos y nadie en la Unidad Contra el Crimen Organizado sabe de su existencia, ya que Hanna y Björn deciden mantenerlo en secreto pues sospechan que dentro de su grupo hay alguien que pasa información a los narcotraficantes.

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El hijo de Hanna trabaja en el restaurante de unos croatas, los Mimica, y parece haber encontrado en ellos la relación familiar que no tiene con su madre.

Los Mimica son una familia organizada al más puro estilo mafioso, dedicados al contrabando de drogas y relacionados con la banda de motoristas a la que investiga la protagonista.

Así comienza Antes de Morir. A partir de aquí, la serie combina el suspense y la acción con el desarrollo de las relaciones entre los personajes.

La sensación de peligro, la posibilidad de la muerte, la traición, la venganza, el amor y el desamor conviven en esta excelente serie sueca que es otra muestra de por qué las producciones escandinavas tienen un bien ganado prestigio.

Outsiders: Una sociedad aislada de la civilización

Ana M. Vargas2 Comments

OutsidersOutsiders es una serie creada por el guionista Peter Mattei, cuya primera temporada de 13 episodios pudimos ver el pasado 2016. Actualmente se está emitiendo la segunda, que también constará de 13 capítulos.

Los Outsiders de la historia son la familia Farrell, un clan que ha vivido aislado en las montañas de Appalachia, en Kentucky, durante generaciones casándose entre primos.   No se relacionan con nadie ajeno a su familia y sólo bajan al pueblo más cercano, Blakburg, para robar las cosas que necesitan y que ellos, anclados en la Edad Media, no fabrican: armas, municiones, gasolina, piezas de recambio para sus vehículos, etc.

Los ciudadanos de Blackburg los toleran a cambio de que no les molesten demasiado.

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La serie Outsiders, creada por el guionista Peter Mattei, comienza cuando el protagonista, Asa Farrell (Joe Anderson) lleva encerrado seis meses en una especie de jaula, como castigo por haberse marchado de la montaña y haber estado viviendo durante diez años en la sociedad civilizada.

La matriarca de los Farrell y máxima autoridad del clan es una anciana, Lady Ray Farrell, (Phyllis Somerville) que está pensando en renunciar en favor de su hijo, Big Foster Farrell (David Morse). Big Foster no tiene la sabiduría de su madre ni su preocupación por el bienestar de los miembros del clan pero está impaciente por ser la máxima autoridad de la familia.

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Una mañana, los Farrell encuentran una nota en la que se les comunica que deben abandonar la montaña en la que viven, porque una compañía minera comenzará pronto las excavaciones para extraer los depósitos de carbón que abundan en la zona. Esta nota será la llave que abrirá la jaula en la que Asa Farrell está encerrado ya que es el único del clan que sabe leer, pues ha aprendido durante el tiempo que ha estado lejos de los suyos.

Aquí empezarán los conflictos: entre la compañía minera y los Outsiders, entre éstos y la gente del pueblo, entre Big Foster y Asa Farrell…

Aquí os dejo el trailer:

Anónima, una mujer en Berlín

Ana M. Vargas6 Comments

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Anónima, Una Mujer en Berlín (Anonyma, Eine Frau in Berlin) es una película escrita y dirigida por Max Färberböck y protagonizada por Nina Hoss.

El film está basado en el libro autobiográfico del mismo título de Marta Hillers y narra los hechos vividos por la escritora y un grupo de civiles alemanes (mujeres, niños y ancianos) durante la Batalla de Berlín, cuando el Ejército Rojo ya dominaba una parte de la ciudad.

En el tiempo que duró dicha batalla se calcula que unas 100.000 mujeres alemanas fueron violadas reiteradamente por los miembros del Ejército Rojo en la ciudad. Una de ellas fue la autora y protagonista de Anónima, Una Mujer en Berlín.

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La película empieza mostrándonos un Berlín en ruinas por los bombardeos y a un grupo de vecinos que se esconden de las tropas rusas en el sótano de un edificio hasta que son descubiertos por varios soldados del Ejército Rojo.

Allí, la protagonista de Anónima, es violada por primera vez y lo seguirá siendo (al igual que sus compañeras) repetidamente durante varios días por distintos soldados.

Hasta que decide que, ya que no puede escapar a esa situación, escogerá a un oficial ruso, el Mayor Andrei Rybkin (Evgeny Sidichin), para que la proteja a cambio de mantener relaciones con él.

Entre el Mayor Rybkin, cuya mujer fue asesinada por los alemanes, y la protagonista de Anónima, se desarrolla una relación forzada y tensa al principio pero que poco a poco se va convirtiendo en algo parecido al amor. Un amor imposible puesto que ambos saben que sólo puede durar lo que dure la guerra que está a punto de terminar.

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Anónima, Una Mujer en Berlín, cuenta lo que sucedió en la ciudad alemana en 1945 pero es extrapolable a cualquier otro lugar de cualquier otro país en guerra, y los atropellos y abusos que sufren los más vulnerables en esta historia son los mismos que soportan los civiles desarmados, las llamadas “víctimas colaterales”, en todos los conflictos bélicos.

Alias J.J.: Lo que pasa tras las rejas

Ana M. Vargas4 Comments

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“Alias J.J.: Lo que pasa tras las rejas” es una serie de Caracol Televisión y Netflix que está basada en el libro “Sobreviviendo a Pablo Escobar” de Jhon Jairo Velásquez, alias J.J. y/o Popeye.

Jhon Jairo Velásquez formó parte del Cartel de Medellín y fue uno de los hombres de confianza de Pablo Escobar. En 1992 llegó a un trato con las autoridades colombianas, aceptando entregarse a cambio de una condena no superior a 7 años de cárcel que más tarde se convertirían en 23.

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La serie “Alias J.J.: Lo que pasa tras las rejas” se inicia cuando Jhon Jairo Velásquez entra en la cárcel de Medellín donde tiene un trato privilegiado hasta que muere Pablo Escobar y J.J. es trasladado a la prisión de Bogotá. Allí tendrá que luchar para sobrevivir entre los presos del Cartel del Valle (enemigos del Cartel de Medellín), los integrantes de las F.A.R.C. (Fuerzas Armadas Revolucionarias de Colombia) y el grupo de los paramilitares (a sueldo de los terratenientes colombianos que los contrataban para defenderse de las F.A.R.C. y de los narcotraficantes).

Los guionistas de “Alias J.J.: Lo que pasa tras las rejas” (Gerardo Pinzón y Johnny Ortiz), indican que, aunque la serie está basada en el libro de J.J., no se ajusta totalmente a lo que en él relata el ex – narcotraficante y que han incluido personajes y situaciones que no se corresponden con la realidad.

No puedo opinar sobre esto porque no he leído “Sobreviviendo a Pablo Escobar” pero sí puedo decir que he visto los primeros doce episodios de la serie y me han enganchado, tanto la trama principal (lo que sucede en la cárcel) como la trama secundaria (las peripecias de la esposa de Jhon Jairo y de la suegra de éste que deben huir de los narcos y de los agentes de la D.E.A.).

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También me gusta cómo los guionistas dan datos sobre los acontecimientos históricos que sucedieron en los años 90 en Colombia -de manera que el público pueda entender el contexto- y la forma en que explican quién es cada personaje y su posición dentro del mundo delictivo o cómo nos informan del poder y la situación de cada grupo dentro y fuera de la cárcel (revolucionarios, narcos, paramilitares), consiguiendo así que el espectador no se sienta confuso en ningún momento del relato.

“Alias J.J.: Lo que pasa tras las rejas” consta de 120 episodios de media hora y empezó a emitirse en Colombia, de lunes a viernes, el pasado 8 de febrero.  Es una serie que agradará a aquellos que disfrutan con las historias de acción, de narcos y de ambientes carcelarios. También gustará a los que aprecian las narraciones bien contadas sean del género que sean.